《阳光俱乐部》主创传递正能量:以阳光心态直面生活,10 月 25 日温暖上映

近日,电影《阳光俱乐部》主创团队与观众的互动活动现场,处处洋溢着温暖与积极的氛围。主创们围绕 “Don’t Worry, be Happy!” 的核心理念,分享了各自对生活、心态的感悟,也让在场观众提前感受到了影片所蕴含的治愈力量。
活动中,有同学结合自身备考经历,向黄晓明提问如何保持积极心态。面对这个问题,黄晓明十分大方地分享了自己曾因 “闹太套” 梗遭遇非议的经历。他坦言,当时自己也曾一度陷入焦虑之中,但最终还是依靠自己及时调整了心态,坦然面对那些负面声音。在他看来,能够真正解决焦虑和压力的只有自己,只要内心始终向往善良、向往爱、向往阳光,这个世界就一定会变得更加美好。这番真诚的分享,不仅让同学们感受到了黄晓明的通透,也为大家在面对困境时提供了宝贵的心态指引。
现场还有同学表示,从影片中吴优这一角色身上汲取到了不少幸福养料。同学们认为,吴优之所以能像西西弗斯一样,全然接受命运带来的 “石头”,关键在于他将照顾母亲视为自己存在的目的,并且把执行 “阳光疗法” 的每一个步骤都当作一次充满希望的推动。这种在困境中依然能找到生活意义、保持积极行动的态度,深深打动了在场的观众,也让大家对吴优这个角色以及影片的故事充满了期待。
除了黄晓明,贾樟柯也在现场为观众带来了鼓励。他套用片中蔡博士的名言说道:“不要让昨天的阴霾,笼罩今天的阳光,明天怎么样,没人能决定,impossible is nothing,today is your day!” 这番话几乎完美重现了片中的名场面,瞬间引发了同学们的阵阵笑声,也让现场的氛围变得更加轻松愉悦。随后,主创团队也借此机会再次呼吁同学们,要始终保持阳光的心态,从简单纯粹的视角去看待世界,像影片中的蔡博士和吴优一样,践行 “Don’t Worry, be Happy!” 的生活态度。
据悉,《阳光俱乐部》讲述了一个充满爱与温暖的故事:认知水平停留在孩童时期的吴优(由黄晓明饰演),在蔡博士(由贾樟柯饰演)创办的阳光俱乐部的感召下,逐渐感受到了乐观和爱的力量。然而,生活却给了他一记重击 —— 他的妈妈(由陆小芬饰演)身患重症。哥哥吴迪(由祖峰饰演)作为医生,想尽各种办法为母亲治病,而吴优则决定运用在阳光俱乐部里学到的方法,用阳光和爱去抵抗这场突如其来的生活困境。
目前,这部充满治愈力量的电影《阳光俱乐部》已经开启预售,并将于 10 月 25 日正式与观众见面。相信在这个秋冬交替的季节里,这部影片能够像一束温暖的阳光,照亮每一位观众的心房,让大家在感受故事的同时,也能收获面对生活的勇气与积极心态。

《阳光俱乐部》清华首映,黄晓明、祖峰、贾樟柯畅谈角色感悟

10 月 14 日晚,备受关注的电影《阳光俱乐部》全国路演首站在清华大学热闹开启。导演魏书钧,主演黄晓明、祖峰、贾樟柯,以及总制片人王才涛一同走进校园,与现场的师生们展开面对面交流,毫无保留地分享了电影的创作心得与各自对所饰角色的深刻感悟,为在场观众带来了一场兼具艺术氛围与思想深度的视听盛宴。
在首映现场的互动环节中,主创团队与清华学子们围绕电影内容进行了一场深入的对话。作为电影的第一出品人,黄晓明在本片的筹备与拍摄过程中倾注了大量的思考和努力。为了精准诠释角色,他在前期做了充分的准备工作,主动走进智力障碍群体的生活,用心与他们交流相处,逐渐和他们成为了朋友。在与这些特殊群体的接触中,黄晓明了解到,许多智障患者的智力水平停留在孩童阶段,有着和孩子一样爱吃甜品的喜好,然而长期过量食用甜品,甚至会导致他们患上糖尿病、高血压等并发症。为了更好地还原所饰角色吴优的状态,黄晓明特意为角色增重,最终将一个鲜活、真实的 “吴优” 呈现在了观众眼前。
凭借对吴优这一角色的出色演绎,黄晓明收获了业界的高度认可,成功荣获第 26 届上海国际电影节金爵奖最佳男演员,并获得第 38 届金鸡奖最佳男主角提名。在活动现场,他向同学们分享了自己塑造角色的过程,以及如何透过主角 “吴优” 的视角重新审视这个世界。交流中,黄晓明引用了加缪的名言 “应当认为西西弗斯是幸福的”,他认为吴优这一角色承载着一种现代隐喻,蕴含着一种关于生命的钝感力。就像西西弗斯一样,只要他自己认为所做的行为是有意义的,那么他的行为就能够拥有意义。黄晓明感慨道:“快不快乐这件事其实是我们主观决定的,不受任何外部规定的影响,所以如果我们视作一切发生的事情是快乐的,我们就是快乐的。” 这番话引发了现场师生们对生命意义与快乐本质的深度思考。
当话题聚焦到祖峰所饰演的哥哥 “吴迪” 时,主持人好奇地问道,为何角色会有从 “找神医” 到 “找神鸡” 的转变。祖峰结合对角色的理解给出了精彩解答,他认为影片中的哥哥 “吴迪” 是一个更寻常、更贴近现实生活的角色,像极了普通的我们。在面对现实中的种种困境时,吴迪感到无力与之抗衡,在一次次尝试与挣扎后,只能转而寻找新的心灵寄托,而 “找神鸡” 正是他在迷茫中寻求心灵慰藉的一种方式。祖峰的解读让在场观众更深刻地理解了角色背后的无奈与挣扎,也感受到了平凡人在生活困境中的真实状态。
此次路演中,最让观众惊喜的当属 “演员贾樟柯” 的亮相。以往,贾樟柯在其他电影中几乎都是以客串角色登场,而在《阳光俱乐部》中,他一改往日的客串身份,饰演了蔡博士这一十分关键的人物。据悉,这或许是贾樟柯出演时间最长的一个角色,这一选择足以体现出他对本片剧本质量与导演能力的高度认可和重视。谈及这个角色,贾樟柯表示自己非常珍惜这次演出机会,同时他还笑着调侃,这是自己第一次饰演 “高学历” 的角色,言语间满是对这个角色的喜爱与对此次合作的满意。
《阳光俱乐部》清华路演首站在热烈的氛围中落下帷幕,主创团队的真诚分享不仅让观众们更深入地了解了电影背后的故事,也让大家对电影本身充满了更多期待。相信这部蕴含着深刻生命思考的电影,在后续的路演及正式上映后,能够引发更多观众的共鸣与关注。

“打工人电影”:照见时代情绪的破圈之光

电影从来不是孤立的艺术,而是一面敏锐的时空镜,反射着每一代人最深层的渴望、焦虑与梦想。它将社会情绪、价值追求与集体心理,悄然织入光影之中,不同时期最打动人心的电影,往往正是那个时代最真实的回音。
上世纪八九十年代,武侠电影风靡一时,恰是因为回应了人们在秩序重建时期对正义与力量的渴望。《少林寺》中觉远和尚以武惩恶、《笑傲江湖》中令狐冲洒脱不羁的身姿,让这些电影不仅是武打盛宴,更是精神寄托。在那个迷茫未散的年代,人们借江湖的快意恩仇,寻得现实中难触的公平与尊严,武侠梦本质是集体心理的出走,是普通人面对压力时的热血安慰。
近十年,主旋律商业片迎来高光时刻,深刻契合文化自信的崛起。从《战狼》里 “犯我中华者,虽远必诛” 的铿锵誓言,到《长津湖》中冰雪埋忠骨的壮烈场景,这些电影以磅礴视听和真挚情感,将 “家国” 与 “个体” 紧密相连。它们塑造的不是疏离英雄,而是有血有肉的 “中国式守护者”,观众在影院落泪、鼓掌,只因从中看到强大的祖国,以及自身与这份荣耀的情感羁绊。
当下,“打工人电影” 悄然兴起,是时代对普通人最深情的凝视。如今人们压力无处不在:年轻人怕努力失意义,中年人忧被时代抛弃。这些电影不回避迷茫,《年会不能停!》中不胜其烦的职场虚伪,是对现实职场不满的真实写照;《银河写手》里小编剧反复修改的每一稿,都是现实与理想心酸的妥协,让观众在剧情中看到自己的影子,产生强烈共鸣。
更难得的是,“打工人电影” 不止展示伤痕,更传递温暖坚定的力量。《逆行人生》中主角晕倒仍不懈 “微笑打卡”,《长安的荔枝》里李善德运荔途中遇阻碍也遇帮手,这些细微炽热的瞬间,仿佛在轻声诉说:你的坚持有人懂,你的委屈值得被看见。这种共情与慰藉,成了 “打工人电影” 破圈的关键。
电影是对时代的记录,更是温柔的社会力量。它曾以武侠寄豪情,用主旋律燃自信,如今俯身倾听、拥抱每一个平凡打工人。从江湖到现实,从家国到个体,电影始终与我们同行,在黑暗中投光,陪伴每一个不曾放弃的人。“打工人电影” 的破圈,不仅是影视市场的新趋势,更印证了贴近大众情绪的作品终将引发共鸣,也让我们相信:时代或许艰难,但故事永不终结,我们都是这故事中重要的一页。

为何我们总为 “打工人” 故事买单?

“打工人电影” 之所以能击中人心,核心在于它们讲的从不是别人的故事,而是每一个 “我” 的日常。银幕将职场里的挣扎、委屈、坚持与渴望,凝练成一面映照众生的镜子,让我们在黑暗影院里哭、笑,更触摸到属于自己的那束微光。
这些电影精准刻画了不同年龄段打工人的困局与尊严,让每个观众都能找到共鸣。对年轻人而言,《年会不能停!》里的马杰,是忍得住脾气却咽不下委屈的普通人,清醒又无奈,妥协却未麻木,这是所有打工者心照不宣的日常;《银河写手》中的北漂编剧张了一和孙谈,怀揣原创梦却被甲方离谱要求裹挟,在资金与时间的压力下挣扎,恰似无数逐梦年轻人的缩影。而中年人面临的困境更显沉重,《逆行人生》的程序员从写字楼转向外卖街巷,在算法与家庭责任间踉跄;《胜券在握》的白胜奉献十年却在期权兑现前被暴力裁员,遭遇的不仅是职场不公,更是信念的崩塌与重建。这些角色跨越行业,却共享同一种命运:在职场中挣扎,却不甘被职场定义。
在困境之外,“打工人电影” 更藏着让人心安的希望,让坚持有了温度与回响。《长安十二时辰》中李善德 “就算失败,也要知道自己倒在离终点多远的地方” 的倔强,道出了不愿认输者的心声;浪浪山的小妖怪即便卑微如尘,仍向往山外天空,那是生而为人的原始渴望;白胜与 “泡泡工厂” 伙伴携手反击,更印证了微光汇聚成炬,就能照亮逼仄现实。这种希望,正激励着现实中的打工人相信梦想、相信努力的意义。
幽默与自嘲,更是这类电影不可或缺的情绪出口。《年会不能停!》用荒诞的 “错位升职” 撕开职场黑话的虚伪,让观众在笑声中释放规则压抑;《银河写手》把编剧的卑微与甲方的任性化作辛酸笑料,道尽创意工作者的两难;《浪浪山小妖怪》里 “公鸡画师” 反复改稿的萌系剧情,戳中被甲方支配的痛点;《胜券在握》中边缘人逆袭的路上状况百出,让观众在苦笑中与自己和解。
正是这份 “看见自己” 的共鸣、困境中的希望,以及恰到好处的情绪宣泄,让 “打工人电影” 成为无数职场人的精神慰藉,也让我们甘愿为这些故事买单。

当电影照进现实:打工人的银幕逆袭

“打工人电影” 崛起之因
在当今社会,经济增速的放缓和职场竞争的日益加剧,给人们的生活带来了深刻的影响。工作压力如影随形,职业发展的道路上布满荆棘,许多人在忙碌的工作中对生活的意义产生了迷茫。这种社会现实如同一片阴霾,笼罩着无数年轻人的心灵,让他们在疲惫与困惑中挣扎。
大众内心深处对能够反映自身生活、抒发内心情绪的文艺作品的渴望愈发强烈。他们在现实生活中积累的压力、委屈和无奈,需要一个宣泄的出口;他们对未来的憧憬、对梦想的执着,也希望能在文艺作品中找到共鸣和鼓励。电影,作为一种强大的文化媒介,凭借其独特的艺术魅力和广泛的传播力,敏锐地捕捉到了大众的这种情绪。它就像一面镜子,映照出人们在工作和生活中的点点滴滴,让观众在别人的故事里看到自己的影子,从而获得情感的慰藉和心灵的共鸣 。“打工人电影” 正是在这样的背景下应运而生,它不再是简单的娱乐消费品,而是承载着大众心声的载体,成为了人们在现实生活中的精神寄托。
2023 – 2024:撕开职场浮沫,直击现实困局
(一)《年会不能停!》:荒诞喜剧背后的职场真相
2023 年末,电影市场被一部名为《年会不能停!》的作品强势闯入 ,它以黑马之姿在 2024 年元旦档脱颖而出,一举斩获票房冠军。这部电影宛如一把锐利的手术刀,以喜剧为表象,实则内核是对现实的深刻剖析,它精准地撕开了 “打工人电影” 的银幕浪潮。
影片的主角胡建林,原本是一名在配件厂勤勤恳恳工作多年的钳工 。一次意外的调令,让他阴差阳错地进入集团总公司,从此开启了一段令人啼笑皆非的荒诞升职之旅。在这个过程中,观众仿佛跟随胡建林一同走进了一个光怪陆离的职场世界,互联网黑话在这里空转,人们说着一些看似高深莫测却毫无实际意义的话语;无效会议频繁召开,耗费着大家的时间和精力,却无法产生任何实质性的成果;唯绩效论的压迫如同一座大山,压得每一个打工人喘不过气来,大家为了追求绩效指标,不惜牺牲自己的生活和健康。胡建林就像一个误闯入成人世界的孩子,他的单纯和质朴与周围复杂的职场环境格格不入 。然而,正是这种反差,让他能够以一种旁观者的视角,戳破职场中的种种浮沫,让那些隐藏在光鲜外表下的虚伪和荒诞暴露无遗。
观众们在观看影片时,常常会忍不住发出会心的笑声,但在笑声背后,更多的是对自身职场经历的深刻反思和感慨。许多打工人在胡建林的身上看到了自己的影子,他们或许也曾经在会议中昏昏欲睡,或许也曾经为了完成绩效指标而拼命挣扎,或许也曾经对那些空洞的职场黑话感到困惑和无奈 。《年会不能停!》不仅仅是一部电影,它更像是一场属于打工人的集体疗愈。它让打工人在忙碌的生活中,有了一个短暂的喘息机会,能够停下来,审视自己的工作和生活,释放内心的压力和不满 。通过这部电影,打工人找到了一种共鸣,一种被理解和被关注的感觉,他们不再觉得自己是孤独的奋斗者,而是一个庞大群体中的一员,大家都在为了生活而努力,都在面对同样的职场困境。
(二)《逆行人生》与《胜券在握》:中年程序员的职场悲歌
2024 年,“打工人电影” 的阵营中又迎来了两部重磅作品 ——《逆行人生》与《胜券在握》,它们将镜头聚焦在了中年程序员这一群体身上,为我们展现了他们在职场中所面临的严峻危机,奏响了一曲令人心酸的职场悲歌。
在《逆行人生》中,徐峥饰演的男主高志垒原本是上海一家互联网大厂的技术核心人物 。然而,中年危机和裁员风暴却毫无征兆地降临到他的头上,让他瞬间失去了工作。曾经,他凭借自己的技术能力,在公司中拥有一席之地,为公司的发展做出了重要贡献 。但如今,一切都化为泡影。更糟糕的是,家庭的重担此时也全部压在了他的肩上。高额的房贷像一座沉重的大山,压得他喘不过气来;孩子在国际学校的学费,如同一个无底洞,不断吞噬着家庭的积蓄;父亲的突然生病,更是让这个家庭雪上加霜,昂贵的医疗费用让高志垒感到绝望。在生活的逼迫下,高志垒不得不放下曾经的骄傲,脱下象征着体面工作的 “孔乙己的长衫”,转身成为了一名外卖骑手 。
送外卖的生活并不轻松,高志垒面临着各种各样的困难。同事间、站点间和平台间都以绩效为准展开了残酷的竞争,工作时长常常超过 14 个小时 。为了能够更快地取餐和送餐,他需要和商家、商场小区保安、甚至宿管阿姨搞好关系,稍有不慎,就可能会遭到投诉。无论如何,他都要避免差评,因为一个差评可能就会让他一天的辛苦白费,惩罚相当严厉。在送餐过程中,他还会遇到各种突发情况,比如导航出错、道路拥堵、客户刁难等,这些都让他的工作变得异常艰难 。曾经坐在写字楼里敲代码的他,如今却要在风雨中奔波,为了每一份订单而努力。从程序员到外卖员,高志垒的身份转变巨大,这种转变不仅是职业的改变,更是生活方式和心态的巨大挑战 。他的经历真实地展现了底层劳动者的生存困境,让观众深刻感受到了生活的不易和残酷。
而《胜券在握》则直击互联网人的中年困局 。影片中的白胜,在一家互联网公司辛勤工作了十年,他满怀期待地等待着期权兑现的那一天,希望能够通过这笔钱改善自己和家人的生活 。然而,命运却对他开了一个残酷的玩笑,在期权兑现前夕,他被公司暴力裁员,十年的努力和付出一夜之间化为乌有。白胜所面对的,不仅仅是经济上的困境,更是精神上的打击,他的信念在一瞬间崩塌。曾经,他为了公司的发展,日夜加班,不辞辛劳,将自己的青春和热血都奉献给了工作 。他相信,只要自己努力工作,就一定能够得到回报。但现实却让他明白,职场是如此的残酷和无情,付出并不一定能够得到相应的回报 。
面对职场的不公,白胜并没有选择默默忍受,而是与 “泡泡工厂” 的伙伴们携手反击 。他们开始收集证据,寻找公司违法裁员的漏洞,试图通过法律的手段来维护自己的权益 。在这个过程中,他们遭遇了重重困难和阻碍,公司方面动用各种手段来打压他们,试图让他们放弃。但是,白胜和他的伙伴们并没有被吓倒,他们坚定地相信,正义一定会得到伸张 。他们的抗争,不仅仅是为了自己,更是为了所有在职场中受到不公正待遇的人 。通过他们的故事,影片展示了当代 “码农” 的真实焦虑,以及他们在困境中对尊严的坚守和抗争 。他们的经历让我们看到,即使生活充满了苦难,我们也不能放弃希望,不能放弃对正义和尊严的追求。

光影里的打工人:时代情绪的银幕共鸣​

两年前,《年会不能停!》以黑马之姿撕开职场的光鲜伪装,“对齐颗粒度” 的虚妄话术、深夜空转的无效加班,让千万打工人在影院里看见自己的影子。这部作品的爆火并非偶然,而是开启了一场跨越古今的 “打工人叙事” 浪潮,让银幕成为映照时代情绪的镜子。
“打工人电影” 早已突破现实题材的边界,在古今虚实间自由穿梭。2025 年热映的《长安的荔枝》中,九品小吏李善德为送鲜荔枝历经千难万险,周旋于各级官员间的卑微身影,恰似被 KPI 裹挟的当代职场人。杨国忠一句 “流程是弱者才遵循的规矩”,道尽了权力不对等下的无奈,与《年会不能停!》里高层随意决定基层命运的荒诞如出一辙。而动画《浪浪山小妖怪》更以奇幻外壳直击人心,小猪妖打磨兵器遭否定、渴望远行却被困的处境,成为职场 “小透明” 的精准镜像。从唐代驿站到互联网大厂,从山间精怪到都市白领,不同面孔都在诉说同一句心声:我在努力,我想被看见。
这类作品的崛起,本质是时代情绪的必然流露。在经济增速放缓、竞争加剧的当下,年轻人的职业迷茫与中年人的生存焦虑交织成普遍的社会心态。《逆行人生》中被裁的程序员转行外卖骑手,在算法与家庭间踉跄前行;《胜券在握》里的白胜奉献十年却遭暴力裁员,亲历信念崩塌与重建。这些角色跨越年龄行业,却共享着 “被规则裹挟却不甘被定义” 的共同命运,让观众在他人故事中照见自己的人生。
幽默与自嘲是 “打工人电影” 的共通语言,更是情绪宣泄的出口。《年会不能停!》用胡建林的错位升职记解构职场虚伪,《银河写手》将编剧改稿的辛酸化作笑料,《浪浪山小妖怪》借 “公鸡画师” 改稿寓言戳中乙方痛点。这种 “笑着流泪” 的表达,让打工人在共鸣中释放压力,在自嘲中实现和解。更珍贵的是,作品从未止步于展示伤痕:李善德 “就算失败也要知道倒在何处” 的倔强,浪浪山小妖对山外世界的向往,都藏着困境中的希望火种。
从武侠片的快意恩仇到主旋律的家国情怀,每代人都有自己的银幕寄托。如今 “打工人电影” 的流行,标志着大众关注从虚幻想象回归真实生活。当李善德的令牌与胡建林的工牌在光影中重叠,当浪浪山的晚霞映照写字楼的灯火,我们读懂了:无论时代如何变迁,普通人的挣扎与坚守永远值得被看见。这或许就是这类作品最深刻的价值 —— 用光影温暖现实,让每个努力的人都能在黑暗中触摸到微光。

暴力史诗里的王家卫式温柔​

当年度犯罪动作大片《一战再战》于今日登陆内地银幕,导演保罗・托马斯・安德森(PTA)“开拍前重温《花样年华》与《重庆森林》” 的坦言,为这部 MTC96 分的神作增添了别样注解。在莱昂纳多饰演的落魄革命者鲍勃的寻女之路中,暴力与温情交织的叙事里,不难窥见王家卫式的情感留白与美学表达。
作为 PTA 首部在内地上映的作品,《一战再战》以当代美国为背景,用公路追车的刺激场面与黑色幽默,包裹着种族歧视与救赎的沉重议题。但不同于传统犯罪片的硬朗叙事,影片在紧张节奏中穿插着细腻的情感瞬间 —— 鲍勃隐居时与女儿相依的静默早餐、寻女途中攥紧旧照片的指尖颤抖,这些镜头如同《花样年华》里苏丽珍缓缓擦拭旗袍的特写,于细微处见深情。导演显然深谙王家卫 “用细节承载情绪” 的秘诀,让动作片的骨架生长出柔软的血肉。
西恩・潘饰演的白人至上主义者与鲍勃的十六年恩怨,构成了影片的戏剧核心。但 PTA 并未陷入二元对立的窠臼,而是借鉴《重庆森林》中 “相遇与错过” 的叙事逻辑,在宿敌对抗的间隙,插入鲍勃对过往的碎片化回忆。那些模糊的革命场景与女儿的笑脸交替闪现,如同梁朝伟饰演的警察对着肥皂独白,将宏大的时代冲突消解为个体的情感阵痛,让观众在荒诞中看见真实的人性挣扎。
影片结尾三车穿越山丘的梦幻镜头,更是王家卫美学的当代演绎。VistaVision 胶片摄影机捕捉的光影流动中,紧张的追逃变成诗意的漫游,正如《花样年华》里昏黄路灯下的雨景,用视觉诗意消解叙事张力。这种 “于喧嚣中求静谧” 的处理,让《一战再战》跳出了类型片的局限,成为兼具娱乐性与艺术性的杰作。
从平遥影展首映时观众的掌声,到斯皮尔伯格 “疯狂杰作” 的盛赞,《一战再战》证明了商业片也能拥有细腻灵魂。当鲍勃最终与女儿重逢,没有激烈的情绪爆发,只有沉默的拥抱 —— 这种王家卫式的情感克制,让这场跨越十六年的救赎之战,最终沉淀为关于爱的永恒叩问。

甘蔗林里的 “陌生人”:形象的彻底落地​

10 月 17 日上映的《寻她》中,舒淇彻底撕碎了观众对她的固有认知。那个常年游走于国际红毯、自带慵懒华贵气质的影星,化作了岭南蔗村泥土里的农妇陈凤娣 —— 黝黑粗糙的皮肤裹着洗旧的布衫,梳着当地商贩式的利落油头,在甘蔗林里挥汗如雨,在泥泞池塘中徒手挖掘。这份颠覆背后藏着极致的投入:为贴合刚生育的村妇状态,她主动放弃减肥任由面部自然浮肿;即便对紫外线严重过敏,仍咬牙完成数月外景拍摄,任由烈日在皮肤上留下痕迹。当银幕上的她操着带独特腔调的粤语与村民争执时,连导演陈仕忠都感慨:“她让陈凤娣从剧本里走了出来”。
三重困境中的演技爆发
舒淇的表演魅力,在于将陈凤娣的觉醒之路拆解为层层递进的情感褶皱。女儿意外丢失后,她在三重困境中完成了演技的精准输出:面对丈夫甘耀祖(白客 饰)“接受现实” 的劝说,她眼底翻涌着绝望却倔强的泪光,那句 “是我想重新活一次” 的独白,将隐忍的痛苦转化为破茧的力量;遭遇村民以 “寺大塘忌讳” 施加的偏见时,她吵架时绷紧的下颌线与颤抖的指尖,泄露了底层女性对抗世俗的孤勇;而暴风雨中的分娩戏,她无需嘶吼便让观众感受到生命的重量,被影评人称为 “无声却震撼的表演范本”。这种表演没有刻意的爆发力,却在日常细节中积蓄着情感张力,恰如影片中绵延的甘蔗林,静默却充满生命力。
拉锯与共鸣:创作中的双向成就
这场表演突破,源于舒淇与 94 后导演陈仕忠的 “创作拉锯战”。两人曾因表演节奏激烈争执,舒淇坚持情感需层次递进,导演则追求更直接的表达,吵到 “不愿说话” 仍彼此尊重。这种碰撞让角色更具真实感:她借鉴导演父母 “跳跃又可爱” 的说话方式,让粤语台词摆脱生硬感,完美融入岭南语境;与白客搭档时,用细微的眼神交流消解了 “影后与喜剧演员” 的违和感,呈现出夫妻间纯朴却坚韧的信任。正如影片中甘蔗林既是压迫也是庇护,舒淇的表演既扎根于岭南土地的真实,又超越了地域限制,让 “女性觉醒” 的主题获得了普世共鸣。
结语:寻找中的自我重生
《寻她》的核心或许不是找到失踪的女儿,而是陈凤娣在寻找中找回自我的旅程。舒淇用一场 “自毁形象” 的表演证明,真正的影后级演技从不需要明星光环加持 —— 当她在片尾迎着阳光缓步前行,脸上没有妆容却闪着释然的光,那份在疼痛中生长的力量,已然超越表演本身,成为对女性生命力的最佳注解。

近期将有多部经典影片修复后与观众见面,涵盖不同风格与主题,为影迷们带来一场场视听盛宴。

10 月 17 日(周五)19:00,将放映 4K 修复、带有中英双语字幕的《远方的声音》。这部 1988 年的影片是特伦斯・戴维斯的自传体长片首作,还曾斩获洛迦诺电影节最佳影片金豹奖。影片以利物浦为背景,用极具视听冲击力的方式展现了 40 至 50 年代英国工人阶级的家庭生活。新人皮特・波斯尔思韦特饰演的暴力父亲角色,尽显时代伤痕。从家庭、酒吧到电影院、海滩,每个场景既展现了当时工人阶级生活的魅力,又透露出社会约束的压迫感。原本计划的两部独立影片,在英国电影协会资助下融合为一部,片中的跳跃与留白凸显了戴维斯擅长的时间 – 记忆书写,动人歌曲更是让主观记忆的流动更显迷人。这部影片在各类英国电影榜单上均占有一席之地,足见其影史地位。值得一提的是,特伦斯・戴维斯于 2023 年 10 月 7 日离世,今年恰逢其 80 周年诞辰纪念,此次放映也是对这位英国电影大师的致敬。
10 月 18 日(周六)19:00,2K 修复、中文内嵌字幕的《电台》将与观众见面。这部 1980 年的英、德合拍音乐惊悚公路片,是克里斯托弗・佩蒂特的长片首作,维姆・文德斯担任制片人之一,曾与文德斯多次合作的马丁・夏非负责摄影。影片讲述年轻伦敦 DJ 驾车从伦敦前往布里斯托调查兄弟死亡的故事,却更聚焦旅程本身的电影性,沿途的奇异邂逅、叙事的漫游岔路,以及对撒切尔时代初期英国的审视,都极具看点,它也可能是唯一一部将英国 M4 高速公路神话化的电影。原声带收录了大卫・鲍伊 “柏林时期” 作品和发电站乐队的音乐,冷峻的黑白摄影与对荒凉城市景观的凝视,明显向维姆・文德斯的公路电影致敬,堪称在音乐中驶向黑白深渊的迷梦之旅。
10 月 25 日(周六)16:30,4K 修复、中英双语字幕的《绘图师的合约》将登场。这部 1982 年的影片是彼得・格林纳威的剧情长片首作,还曾入围威尼斯电影节主竞赛单元。影片以 17 世纪贵族庄园为背景,讲述自负的绘图师受雇绘制 12 幅庄园画作,与贵族夫人进行欲望交易,背后却隐藏着复杂权利与欲望游戏的神秘故事。拥有深厚绘画和文学功底的格林纳威,用固定镜头、低调布光和考究构图吸引观众探寻真相,迈克尔・尼曼激昂的配乐与英伦庄园谋杀大戏完美搭配,视听效果精妙绝伦。

《许我耀眼》陈畅:与赵露思双向奔赴,癫剧要癫得有“底线”

一、“癫剧” 破圈:数据背后的创作坚守
当《许我耀眼》以腾讯视频热度破 32000、云合市占率峰值 41.7% 的成绩刷新多项纪录时,导演陈畅对 “癫剧” 的注解有了最有力的佐证。他坦言,“癫” 是角色离婚后放飞自我的风格选择,与前期假面夫妻的 “体面” 形成反差,而这种风格切换的本质,是为了让 32 集的故事摆脱枯燥。
观众口中的 “电子闺蜜” 许妍、“好命哥” 变 “苦命哥” 等热梗,以及抖音 8.3 亿 + 的热度峰值,印证了 “癫剧” 的感染力。但陈畅强调,“癫” 绝非无厘头的狂欢,“情感的起落像天气,关键是让真实打底”,这正是他为 “癫剧” 划定的第一道底线。
二、双向奔赴:专业者的彼此成就
赵露思的名字出现在服化道团队名单中,成为剧集幕后的一段佳话。陈畅对此的解释直白而恳切:“让专业的人做专业的事,赵露思就是这样的人”。这种专业性在 “卸妆名场面” 中展现得淋漓尽致 —— 赵露思主动卸掉美瞳与假睫毛,在接听姥姥电话时完成从压抑到强装平静的情绪转折,单条过的表演让陈畅至今印象深刻。
演员与导演的共鸣更体现在角色塑造上。两人都拒绝将许妍塑造成 “完美女主”:她伪造身世嫁入豪门,却在原生家庭的创伤中保持善良底色;她有野心却守底线,通过水袖技艺盘活事业、化解婆媳矛盾的情节,让 “强配得感” 成为角色圈粉关键。赵露思用 230 套造型演绎角色从虚华到沉稳的蜕变,从配音到原声的突破,则让这份专业共鸣落地为鲜活的人物弧光。
三、底线之上:真实为核的情感表达
“癫得起更要收得住”,陈畅的创作哲学藏在细节里。处理原生家庭线时,他刻意舍弃苦难渲染,用姥姥的桂花酱、老花镜等细节触发共情,既保留情感重量又避免剧情注水;塑造配角乔琳时,不回避其 “既得利益者” 的阴暗面,更展现她拉姐妹创业的光芒,让人物摆脱脸谱化。
这种克制同样体现在视听语言中:前期用紧凑构图表现许妍的压抑,后期以开阔全景展现其成长,光影从 “半明半暗” 到 “通透明亮” 的演变,成为角色内心的视觉注脚。正如陈畅所说,观众反感的从不是不完美人设,而是不合逻辑的情节。许妍的 “癫” 是卸下伪装的释放,而支撑这份释放的,是原生家庭的痛点、职场奋斗的实感,以及人性底线的坚守。
《许我耀眼》的成功,终究是 “底线创作” 的胜利。陈畅与赵露思用专业共鸣搭建起 “癫剧” 框架,再以真实情感填充血肉,让观众在笑泪中看到自己,这或许就是 “耀眼” 的真正含义 —— 不是完美无瑕的光芒,而是撕破伪装后依然温暖的力量。
2024 iboluos.cn 冀ICP备2024065575号-1